В Равенне, Венеции, на Сицилии и в других уголках Италии мы можем найти следы византийского искусства в виде фресок, мозаик и алтарных образов, напоминающих православные иконы. Применительно к этим произведениям говорят об особом итало-византийском стиле.
Лишь с начала XIV века в творчестве Джотто и его последователей наметится переход к новым способам живописного освоения и отображения мира. Мы уже указывали, что этот переходный период позднее получит наименование Проторенессанса.
Среди важнейших центров итальянского изобразительного искусства в Средние века – помимо прочего – значатся Рим, Флоренция и Сиена. Рим был столицей Папской области. Его политическое влияние простиралось на всю Европу. В разное время в Риме трудились Арнольфо ди Камбио, Пьетро Каваллини, Джотто.
Флоренция и Сиена доминировали в Тоскане, постоянно сражаясь друг с другом за власть в регионе. Одержать победу посчастливится Флоренции. Позже именно этот город распространит свои культурные достижения по всей Италии. Флоренция станет «колыбелью Возрождения», а Сиена словно в пику ей надолго останется верна средневековой эстетике – византийской и готической.
В ГМИИ хранится житийная икона, созданная во второй половине XIII столетия – «Мадонна с Младенцем на троне». Ее атрибутируют кругу выдающегося художника Коппо ди Марковальдо. Судьба этого живописца крайне любопытна. Уже будучи известным мастером, Коппо принял участие в сражении между флорентийцами и сиенцами – битве при Монтаперти (1260 год). Флорентийские войска были разгромлены, и Коппо ди Марковальдо попал в плен к неприятелю. Примерно через год он начнет создавать в Сиене произведения, сыгравшие впоследствии определенную роль в развитии местной школы живописи. На родине художника, во Флоренции, сегодня тоже можно найти следы его деятельности. К ним относится мозаика с изображением Страшного суда в Баптистерии Сан-Джованни.
«Мадонна с Младенцем» выполнена в византийском духе. Она принадлежит к типу «Богоматерь Умиление» («Елеуса») – Христос-отрок представлен здесь ласково прижавшимся щекой к лицу Матери. Скорее всего, икона была написана во Флоренции или где-то неподалеку от нее. К такому выводу исследователей подталкивает изображение ангелов, расположенных возле Богородицы: в Сиене их писали не в полный рост, здесь же они представлены целиком, как это было принято среди флорентийских мастеров. До сих пор остается неясным, принадлежит ли икона предшественнику Коппо или же его последователю.
Размер иконы значителен, в высоту она достигает двух с половиной метров. Произведение состоит из средника (центральной части) и семнадцати клейм. В центре изображена Богоматерь, восседающая на троне, с Христом на коленях. Дева представлена в образе Царицы Небесной. Вокруг ее головы – нимб, украшенный «каплями» горного хрусталя. Образ Богородицы монументален и наряден. На ней темно-синий плащ (иначе – мафорий), накинутый поверх одеяния яркого-вишневого цвета. Трон Богоматери и подставка для ног испещрены драгоценными камнями. В облике Девы и ее Сына отсутствуют те удивительные мягкость и прозрачность, что свойственны эллинистической традиции, – черты их ликов достаточно резки и схематичны, что, впрочем, не делает их менее одухотворенными.
В клеймах, обрамляющих икону, представлено житие Богоматери – от ее появления на свет до Успения и Вознесения. Таким образом, перед нами оказывается один из самых подробных живописных циклов того времени, посвященных земному пути Марии.
К концу XIII века относится фрагмент мозаики с изображением Младенца Христа. Автор этого произведения Якопо Торрити – римский художник и мозаичист, работавший в греческой манере. Фрагмент, судя по всему, имеет отношение к убранству надгробия папы Бонифация VIII, располагавшегося в старом здании собора Святого Петра.
От мозаики, скорее всего, включавшей образы Девы Марии, а также апостолов Петра и Павла, сохранилось только небольшое изображение Младенца. К сожалению, и оно дошло до нас не полностью. Фон и нимб Христа были добавлены значительно позже, как и некоторые другие части. В Россию мозаика попала в XIX столетии и изначально хранилась в Румянцевском музее.
Без всякого сомнения, лик и фигура Христа, исполненные Торрити, относятся к лучшим произведениям своего времени. Светотеневая моделировка образа чрезвычайно тонка, будто мастер работал акварелью. Силуэт Младенца составлен из плавных круглящихся линий. А одежды, расцветка которых постепенно переходит от зеленого к оранжевому, пестры, как праздничные ленты.
Живопись Италии XIV века представлена в ГМИИ в том числе работами великого сиенского мастера Симоне Мартини. В творчестве этого художника ясно различимы готические приметы – удлиненность фигур, подвижность поз, изысканность линий. Как и его предшественники, Мартини писал темперными красками. В качестве основы для его произведений служили деревянные доски.
В то время художники часто создавали полиптихи – алтарные композиции, составленные из нескольких отдельных деревянных панелей. Многие подобные произведения сохранились до наших дней в разобранном виде. Фрагменты, некогда находившиеся в неразрывной связи, теперь представлены в разных музеях мира, порой разделенные океанами[35].
Якопо Торрити. «Младенец Христос». Конец XIII века
В собрании Музея находятся разрозненные части полиптиха Симоне Мартини с Блаженным Августином и Марией Магдалиной. Правда, не все эксперты уверены в принадлежности этих изображений творческому наследию Мартини. Причиной тому – многочисленные переделки и записи, имевшие место в прошлом и в определенной мере исказившие оригинальную работу мастера. Например, нынешний золотой фон и позолоченные готические рамы неоригинальные и были выполнены в XIX столетии. Нет единого мнения и о том, каков был численный состав полиптиха. Некоторые предполагают, что частей изначально было пять, некоторые – три (центральная – с образами Богоматери и младенца Христа).
Мария Магдалина изображена художником с покрытой головой. Лицо святой несколько вытянуто, глаза миндалевидные, узкие, нос прямой и слегка заостренный. На ней плащ бледно-зеленого цвета с золотой каймой. На груди он соединен застежкой, украшенной жемчужинами. В правой руке Мария держит крест. В левой – сосуд с благоуханным миро. Будучи одной из жен-мироносиц – тех, что первыми узнали о Воскресении Христа, – Мария Магдалина часто изображается с каким-либо сосудом в руке: глиняным горшочком, стеклянной ёмкостью или же золотым кубком.
Блаженный Августин представлен в образе пожилого мужчины с аккуратно подстриженной седой бородой. Выражение его лица можно назвать сосредоточенным или, скорее, суровым. Аврелий Августин служил епископом в Северной Африке, в городе Гиппоне. Потомкам он оставил ряд важных сочинений («Исповедь», «О граде Божьем» и др.), сыгравших значительную роль в развитии христианского вероучения, особенно на Западе, где Блаженный Августин почитается одним из четырех отцов Церкви. Мартини написал святого в епископском облачении – на нем покрытая узором красная мантия с крупной застежкой на груди. На голове Августина двурогая митра. В правой руке находится епископский посох, палец украшен перстнем – символом духовной власти, – в левой руке святой держит книгу.
Если XIV век был для искусства Сиены золотым, то XV можно назвать серебряным. Во Флоренции в это время уже открыли прямую перспективу и начали по-новому изображать человека и окружающее его пространство. Сиена как будто отказалась обращать внимание на это открытие. Местные художники продолжали ревностно оберегать традиции прошлого. Одним из самых талантливых мастеров Сиены в ту пору был Сассетта. Его картины могут напомнить современному зрителю советские кукольные мультфильмы – настолько трогательными и игрушечными смотрятся представленые на них «человечки», с круглыми головами, мелкими чертами лица, ярким, будто нарисованным, румянцем на щеках.
В ГМИИ находятся две работы живописца. Обе были частью единого полиптиха, возможно, из церкви Святого Франциска в Борго Сансеполькро. Другие фрагменты этого произведения сегодня можно найти в Лувре, музеях Германии, Италии и США.
Створки из Пушкинского музея являют нам образы святых мучеников Стефана и Лаврентия. По традиции их часто изображали вместе. Святые изображены на золотом фоне, на них диаконские облачения (далматики), в руках они держат пальмовые ветви – символ мученической смерти.
Стефан был одним из первых диаконов христианской общины. Его казнь описана в «Деяниях апостолов». Святого забили камнями, отчего по традиции он изображается с камнями на окровавленной голове (Сассетта не стал воспроизводить этот мотив целиком, написав лишь капли крови на голове Стефана).
Святой Лаврентий – погибший во времена гонений, учиненных при императоре Валериане (III век) – показан со своим постоянным атрибутом: железной решеткой, на которой он был заживо изжарен по приказу римского префекта. Однако больше ничто, кроме этой решетки, на которую Лаврентий изящно оперся локтем, не напоминает в произведении Сассетты о муках и страдании. Диаконы представлены прекрасными нежными юношами, погруженными в созерцание (Стефан) и размышление (Лаврентий). Настроение, царящее в произведениях Сассетты, можно назвать не столько молитвенным, сколько лирическим. Образы святых, созданные художником, рождают в памяти сладкие звуки старинных мадригалов, а вовсе не строгий хорал монашеских песнопений.
Сассетта (Стефано ди Джованни). «Святой Лаврентий». 1444 г.
К концу Кватроченто картины сиенских мастеров по-прежнему сохраняли архаические черты. Более того, их условность делалась все более подчеркнутой. Это хорошо видно в работе Маттео ди Джованни «Мадонна с Младенцем, святыми Екатериной и Христофором». В центре произведения – поясное изображение Мадонны, держащей на руках Христа. За ней видны святой Христофор и святая Екатерина. Образы Богоматери и святых помещены на золотом фоне. Данную композицию художник повторял многократно, что свидетельствует о ее популярности у современников.
Фигура Богоматери доведена до предела манерности. Тело ее невелико, плечи узкие, зато голова достаточно крупная и склоняется, как бутон цветка на тонком стебле. Завораживают глаза Марии, большие и узкие, взгляд ее направлен на зрителя. Святой Христофор, стоящий у нее за спиной, держит на плече Младенца Христа (таким образом, на картине образ Христа возникает дважды). По легенде, святой перенес Младенца через поток и с тех пор прозывался Христоносцем (так с греческого переводится его имя). Святая Екатерина помещена справа. Это прекрасная девушка с жемчужным украшением на вьющихся белокурых волосах. В руке она держит колесо, покрытое лезвиями. Согласно житию, при помощи этого колеса Екатерину должны были пытать гонители веры, но явившийся с небес ангел разрушил орудие казни.
Во Флоренции живописное искусство второй половины XV века связано с именем одного из крупнейших мастеров Раннего Возрождения Сандро Боттичелли. Лучшие работы Боттичелли – «Весна» и упомянутое выше «Рождение Венеры» – находятся в галерее Уффици. Пушкинский музей может похвастать двумя алтарными створками, расписанными живописцем или же, скорее всего, его учениками (по рисунку мастера).
Противопоставляя Сиену и Флоренцию, не стоит думать, будто флорентийское искусство в один момент преодолело средневековые догматы, оставив их далеко в прошлом. И византийская, и тем более готическая традиции продолжали влиять на работу флорентийнцев. Изящный рисунок Боттичелли, некоторая орнаментальность, нарядность его работ явно наследуют принципам готической эстетики.
На створках, условно называемых «Благовещение» (так, будто это единая композиция), показаны архангел Гавриил, парящий над землей, и Дева Мария, встречающая благую весть легким поклоном. Фигура архангела имеет S-образную форму, характерную для готических образов. Его одеяние состоит из множества струящихся мелких складок, передающих движение воздуха. Богородица заметно крупнее небесного посланника, и в этом также ощущается дух Средневековья. Композиция кажется плоскостной, это подчеркивается тем, что фигуры расположены напротив резных панелей, закрывающих пейзаж, а значит, скрадывающих глубину пространства. В целом «Благовещение» Боттичелли отличают композиционная строгость, отсутствие лишних деталей и заметная сухость исполнения.
Современник Боттичелли, Пьетро Перуджино, был видным представителем умбрийской школы. Вместе с Боттичелли и Леонардо да Винчи он обучался в мастерской Андреа Верроккьо, затем стал учителем великого Рафаэля. Умбрийская школа знаменита своими пейзажами – тонкими, лиричными образами природы, служащими фоном для евангельских сюжетов или изображений святых. Благодаря полотнам Перуджино и Рафаэля умбрийский пейзаж неизменно проникнутый светом и ощущением вечной гармонии вдохновил все последующее пейзажное искусство Европы.
Из мастерской Перуджино во Флоренции происходит «Пьета» 1497 года. Картина четко делится на два плана. На заднем запечатлен пейзаж с Голгофой, место казни Спасителя отмечено крестом. Передний план занимают фигуры Христа и его учеников. Мертвое тело Спасителя, размещенное поверх гробницы, поддерживает Иосиф Аримафейский. На голове Иосифа стилизованный восточный убор. По сторонам от Христа – Дева Мария и Иоанн Богослов. Оба держат Иисуса за руки. Одежда Иосифа темно-зеленого цвета, отчего он почти не выделяется на фоне пейзажа. Богоматерь и Иоанн облачены в красное, особенно ярок наряд Евангелиста, словно впитавший в себя муки и смерть Христа. В композиции «Пьеты» проглядывают очертания треугольника – фигуры, особенно любимой художниками Возрождения.
Пьетро Перуджино. «Пьета». 1483–1495 гг.
Еще одна картина из собрания ГМИИ, которую можно отнести к творчеству Перуджино или его мастерской, – «Мадонна с Младенцем». Перуджино, как и его ученик Рафаэль, славился образами Богородицы. Его Мадонны всегда изображены на фоне природы, умиротворенной и погрузившейся в тишину. На Деве Марии красное одеяние и зеленый мафорий. Младенец стоит на ее правом колене и глядит в сторону. Сама Богоматерь устремила взгляд прямо на зрителя. Отдельные элементы ее сложной прически напоминают «ушки» головного убора Иосифа Аримафейского с картины «Пьета».
В Россию «Мадонна» попала благодаря графам Строгановым. Какое-то время она хранилась в Эрмитаже, а уже оттуда была передана в Пушкинский музей.