Балет – особое искусство, в котором сочетаются музыка, хореография и изобразительное искусство в виде костюмов, освещения и декораций. Название его производят от итальянского «танец», восходящего к латинскому и греческому корням. От других видов хореографии балет отличается жесткими сценическими правилами, особой пластической выразительностью. Но всегда ли искусство балета было таким, каким оно знакомо нам сейчас?
Считается, что время рождения балета – эпоха Воз-рождения-Ренессанса. В Европе тогда несколько ослабло влияние церкви и наступил расцвет искусств; центром внимания художников, философов, поэтов стал человек. В искусстве – и в изобразительном, и в прочих видах и жанрах – появляются разнообразные трактаты, призванные «поверить алгеброй гармонию», подвести под творчество теоретическую базу. В XIV–XV веках появляются первые известные нам трактаты по теории танца, сценического движения. Балет к этому времени в основном являлся составной частью таких зрелищ и мероприятий, как торжественные придворные выходы, «живые картины», всевозможные карнавальные действа. Балетные движения и позы были довольно статичны, на танцовщиков возлагалась обязанность прежде всего создать красивую сценическую композицию, а не рассказывать историю посредством танца. Одним из создателей балета считается живший в XV веке Доменико Пьяченцо (Доменико из Пьяченцы), «мастер танца» при дворе итальянских князей Эсте.
К ключевым моментам истории балета часто относят премьеру представления «Комедийный балет королевы» («Цирцея»), которое состоялось при французском дворе осенью 1581 года. Несколько хореографических номеров тогда были соединены в одно целое. А при Людовике XIV балет начинает выделяться в особую форму представления; более того, сам король принимает участие в представлениях. Считается, что его прозвище – «Король-Солнце» – появилось именно благодаря тому, что в «Королевском балете ночи», поставленном в середине XVII столетия, он играл роль Восходящего солнца. И все же балет тогда был совсем не таким, как сейчас. В моде, интерьере и архитектуре господствовал пышный стиль барокко, он же оказывал влияние и на танцы: громоздкие костюмы с обилием украшений, такие же декорации – все это мешало легким движениям, балет по-прежнему был довольно статичным и тяжеловесным, напоминая скорее торжественное шествие с элементами танца. Сюжет в основном представлял собой достаточно вольные переложения древних мифов и средневековых поучительных историй; представление обычно состояло не только из хореографии и музыки, но и из пантомимы, чтения-речитатива, перемещения сложных декораций. Кстати, в балетах участвовали только мужчины, а к числу первых профессиональных женщин-балерин относят мадемуазель Ла Фонтен.
Г. Риго. Портрет Людовика XIV. Ок. 1700–1701 гг.
В 1661 году по приказу Людовика XIV в Париже была основана Королевская академия танца. Там обучали танцам и разрабатывали основные правила балета. В своем первоначальном виде академия просуществовала только до второй половины XVIII века, но заложенные ею принципы так или иначе до сих пор представлены в обучении классическому танцу.
При Людовике XIV главную роль во всех придворных празднествах начинает играть уже не Лувр, а Версальский дворец
Постепенно костюмы становились чуть проще, передвижение по сцене – активнее. И в то же время балетные движения как таковые усложнялись, требуя от участников уже не просто хорошей памяти и знания рисунка танца, но и определенной физической подготовки. Это в основном и отличало профессиональный балет, например, от придворных танцев.
Во второй половине XVII века большое влияние на хореографию и балетные сюжеты оказали драматург Мольер и композитор Жан-Батист Люлли, которые приблизили сюжеты к реальной жизни и сделали балет менее зависящим от внешней мишуры – на первое место выходили танец, действие и музыка. Правда, барочный балет по-прежнему активно использовался во время разнообразных празднеств, при этом балетными вставками часто украшалось, например, оперное действие. Ну а основоположником современного балета считается французский балетмейстер Жан-Жорж Новерр. Он пишет несколько книг по теории балетного искусства, прорабатывает законы балетной драматургии, изучает возможности представить действие на сцене при помощи выразительных пластических образов. Меняются и костюмы: они становятся более приспособленными к активному движению, у женщин-танцовщиц укорачиваются юбки – конечно, в разумных пределах. Яркий пример – французская артистка балета Мари-Анн Камарго (1710–1770), которая не только усовершенствовала балетные костюмы, но и первой начала исполнять танцевальные элементы, до того считавшиеся исключительно прерогативой мужчин: например, прыжки антраша.
Жан-Батист Люлли. Гравюра XIX в.
Конечно, балет развивался не только во Франции и Италии (хотя именно эти страны обычно называют родиной балетного искусства). В Австрии, Англии, Нидерландах к восемнадцатому столетию также в основном утверждаются правила классического танца. Балет обретает самостоятельность, но в период его молодости музыку для него обычно писали малоизвестные композиторы; более заслуженные создавали оперы и симфонии. Ситуация начала меняться только во второй половине XIX столетия.
Великая французская революция, сделавшая общество более демократичным, в то же время еще больше облегчила балетные костюмы. Тематика балетов становится все более разнообразной: мифологические, сказочные, исторические сюжеты, аллегории, любовные истории.
В 1830-х годах в балете начинает господствовать романтизм; в моду входят сюжеты с различными призраками, видениями, тенями. Эту тематику блестяще воплощали на сцене итальянский балетмейстер Филиппо Тальони и его дочь – балерина Мария Тальони. Самые известные балетные постановки того времени – «Сильфида» по новелле Шарля Нодье на музыку Жана Шнейцхоффера, «Дева Дуная» композитора Адольфа-Шарля Адана и «Жизель» того же Адана по либретто Теофиля Готье и Жана Коралли. В сочинениях врача и алхимика Парацельса встречается слово «сильфы» – так в эпоху средневековья обычно называли легких существ, олицетворявших духов воздуха. Женский род этих существ, соответственно, именовался сильфидами.
Премьера «Сильфиды» была подготовлена Филиппо Тальони – возможно, именно для того, чтобы наиболее выгодно представить публике хореографические таланты дочери.
Современники утверждали, что Мария Тальони обладала не слишком выгодной для классического балета внешностью: слишком высокая, с резкими грубоватыми чертами лица. И отец решил сделать ставку на технику. Тальони, ежедневно занимаясь с дочерью по несколько часов, сделал ее основной фишкой танец на пальцах, или так называемую пуантную технику.
Балерина Фанни Эльслер в роли Сильфиды. 1840 г.
Это придавало фигуре танцовщицы легкость, воздушность, даже некую потусторонность. Кстати, относительно техники пуантного танца в среде историков балета до сих пор ломаются копья. Кто-то утверждает, что изобрели ее именно Тальони, но есть не менее популярная точка зрения, что танец на пуантах появился раньше, в труппах, руководимых Дидло, а Тальони лишь довели ее до совершенства и сделали непременным элементом романтического балета. Что же касается пуантов как специализированной обуви для балета (мягкая туфелька с жестким носом, облегчающим стойку на пальцах), то во времена Дидло и Тальони в основном ограничивались простегиванием носка толстыми нитками; твердый «стакан» в пуантах появляется позднее. И, кстати, многие балерины тогда заявляли, что это форменное надувательство и профанация искусства.
Происхождение слова
Слово «пуанты» происходит от французского les pointes des pieds – «кончики пальцев». Также его производят от французского point – «точка».
Во второй половине XIX века в Европе предпринимались попытки возродить хорошо забытое старое, снова объединив танец с речитативами, драматическими вставками и тому подобным. Но особого успеха они уже не имели, классический балет утверждается как искусство, в котором история рассказывается языком музыки и пластики. Ну а в ХХ столетии пальма первенства в балетном искусстве уже безоговорочно принадлежит России и позднее – Советскому Союзу.
Танец на пуантах – непременный элемент классического балета